Un progetto di / A project by Emilio Vavarella
Curato e prodotto da / Curated and produced by Ramdom
Vincitore della VI edizione di Italian Council (2019), programma di promozione di arte contemporanea italiana nel mondo della Direzione Generale Contemporanea del Ministero per i Beni e le Attività Culturali per il Turismo, rs548049170_1_69869_TT (The Other Shapes of Me) è il progetto che l’artista Emilio Vavarella ha avviato.
L’opera consiste in una traduzione del codice genetico dell’artista in tessuto, usando una delle prime macchine computazionali moderne. Entro luglio 2020, il progetto porterà alla realizzazione di un’opera monumentale che entrerà a far par parte della collezione permanente del MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna. L’opera è il risultato di un processo performativo e di ricerca che vede l’artista e sua madre, sarta e ricamatrice, al lavoro all’interno di un laboratorio tessile. II titolo rs548049170_1_69869_TT fa riferimento alla prima riga di testo risultante dalla genotipizzazione del DNA dell’artista stesso. La genotipizzazione è stata condotta presso un laboratorio di Mountain View, California, ma l’opera finale verrà realizzata interamente in Italia presso una storica tessitura del sud Italia. Il progetto prevede anche una conferenza interdisciplinare ad Harvard (USA) e una residenza a Nuova Delhi (India).
L’opera consiste di tre elementi che compongono una grande installazione: un tessuto, un telaio e un video del processo di produzione del tessuto. Il tessuto, che rappresenta punto per punto il codice genetico dell’artista stesso, è realizzato con un telaio Jacquard del 19mo secolo (prima vera tecnologia industriale di tipo binario) che verrà utilizzato dalla madre dell’artista. Il tessuto finale restituisce visivamente quel codice che “dà forma” all’artista come risultato dell’incontro dei “codici” dei suoi genitori. Il telaio, infine, sarà modificato per ospitare il video di documentazione dell’intero processo di produzione.
Oltre alla produzione del tessuto, che avverrà interamente in Italia presso la tessitura Giaquinto di Gagliano del Capo (LE) il progetto prevede workshops, mostre, presentazioni e screenings sul territorio locale e nazionale. L’opera completa sarà presentata in prima assoluta al MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna.
Il Film Study Center dell’Università di Harvard ospiterà una tavola rotonda a cui parteciperanno professionisti internazionali (filosofi, curatori, teorici, ricercatori). Il risultato di questa tavola rotonda, insieme alla ricerca che sottende la produzione dell’opera, culminerà nel catalogo finale.
Arthub Asia ospiterà l’artista e i curatori in un periodo di residenza a Nuova Delhi di circa tre settimane dove si studieranno altre possibilità di restituzione visiva del codice dell’artista legate a modalità alternative di visualizzazione dei dati e di tessitura. Inoltre sarà realizzata una mostra incentrata sulle modalità di produzione dell’opera presso l’Istituto Italiano di Cultura.
___
Winner of the VI edition of Italian Council (2019), program to promote Italian contemporary art in the world by the Directorate-General for Contemporary Creativity of the Italian Ministry of Cultural Heritage and Activities and Tourism, rs548049170_1_69869_TT (The Other Shapes of Me) is a new project launched by artist Emilio Vavarella.
The work focuses on the translation of the genetic code of the artist into a textile, using one of the first computing machines of modernity. By July 2020, this project will lead to the creation of a monumental work of art that will become part of the permanent collection of MAMbo – Museum of Modern Art in Bologna. The work will be the result of a performative and research process that sees the artist and his mother, tailor and embroiderer, working in a textile laboratory. The title, rs548049170_1_69869_TT, refers to the first line of text resulting from the genotyping of the artist’s DNA. The genotyping was carried out in a laboratory in Mountain View, California, but the final work will be made entirely in Italy at a historic weaving mill in Southern Italy. The project also includes an interdisciplinary round-table at Harvard University (USA) and a residence in New Delhi (India).
The work consists of three elements: a large fabric, a Jacquard loom and a video of the production process of the fabric. The fabric, which represents the artist’s genetic code point by point, is made with a 19th century Jacquard loom (the first industrial binary technology) that will be operated by the mother of the artist. The final tapestry translates visually the genetic code that “gives shape” to the artist. The Jacquard loom will be modified to accommodate a video documentation of the entire production process, portraying the mother of the artist at work.
In addition to the production of the fabric, which will take place entirely at Tessitura Giaquinto in Gagliano del Capo (LE) in Southern Italy, the project also includes workshops, exhibitions, presentations and screenings on the local and national territory. The work will be presented for the first time in its entirety at MAMbo – Museum of Modern Art in Bologna.
The Film Study Center will host a roundtable with international professionals (philosophers, curators, theorists, researchers). The result of this discussion, together with the research that underlies the production of the work, will culminate in the final catalogue.
Arthub Asia will host the artist and the curators during a period of residence in New Delhi where they will study alternative possibilities of rendering the artist’s genetic code, as they relate to alternative techniques of weaving and data visualization. In addition, an exhibition will be held at the Istituto Italiano di Cultura, focusing on this work’s technical processes.
Mostre
INFO
________________________________________________________________________________________
This is a Jacquard loom. What many people do not know is that fabrics and computers have a long history in common. Perforated papers were first used around 1725 by Basile Bouchon and Jean-Baptiste Falcon and later improved by Joseph Marie Jacquard. As for the first computers, also Jacquard looms work with binary code (card holes correspond to the ‘0’).
James Essinger on Ada Lovelace:
Lovelace (1815 - 1852) is one of the great heroines of the history of computing. She never invented any computers herself, but she understood Charles Babbage's dreams and wrote about them in a language that the man in the street could understand. Ada had her faults: she was very impulsive, sometimes took opium and didn't know how to manage money. But without her, Charles Babbage's story would be infinitely less colorful - and much less entertaining.
If he was the father of the computer, she was the foster-mother. Read about Ada and her work and struggles in Jacquard's Web.
Lovelace (1815 - 1852) is one of the great heroines of the history of computing. She never invented any computers herself, but she understood Charles Babbage's dreams and wrote about them in a language that the man in the street could understand. Ada had her faults: she was very impulsive, sometimes took opium and didn't know how to manage money. But without her, Charles Babbage's story would be infinitely less colorful - and much less entertaining.
If he was the father of the computer, she was the foster-mother. Read about Ada and her work and struggles in Jacquard's Web.
“We may say most aptly that the Analytical Engine weaves algebraical patterns just as the Jacquard-loom weaves flowers and leaves.” Ada, Countess of Lovelace, 1843
Deepening some topics for rs548049170_1_69869_TT (The Other Shapes of Me) reading: ‘Knitting Is Coding’ and Yarn Is Programmable in This Physics Lab. For Elisabetta Matsumoto, knot theory is knit theory.
https://www.nytimes.com/2019/05/17/science/math-physics-knitting-matsumoto.html
Dr. Matsumoto argues that “knitting is coding” and that yarn is programmable material. The potential dividends of her research range from wearable electronics to tissue scaffolding.
Dr. Matsumoto argues that “knitting is coding” and that yarn is programmable material. The potential dividends of her research range from wearable electronics to tissue scaffolding.
________________________________________________________________________________________
Residency, research and production
Lastation, Gagliano del Capo
(Tessitura Giaquinto, Gagliano del Capo)
Guests, speakers, and contributors to the publication.
Sabine Himmelsbach – Director of Haus der elektronischen Künste in Basel
Since March 2012, Sabine Himmelsbach is the new director of HeK (House of Electronic Arts Basel). After studying art history in Munich she worked for galleries in Munich and Vienna from 1993–1996 and later became project manager for exhibitions and conferences for the Steirischer Herbst Festival in Graz, Austria. In 1999 she became exhibition director at the ZKM | Center for Art and Media in Karlsruhe. From 2005–2011 she was the artistic director of the Edith-Russ-House for Media Art in Oldenburg, Germany. Her exhibition projects include ‘Fast Forward’ (2003); ‘Coolhunters’ (2004);
‘Ecomedia’ (2007); ‘MyWar’ (2010) and ‘Culture(s) of Copy’ (2011). 2011 she curated ‘gateways. Art and Networked Culture’ for the Kumu Art Museum in Tallinn as part of the European Capital of Culture Tallinn 2011 program. Her exhibitions at HeK in Basel include ‘Sensing Place’ (2012), ‘Semiconductor: Let There be Light’ (2013), ‘Ryoji Ikeda’ (2014), ‘Poetics and Politics of Data’ (2015), ‘Rafael Lozano-Hemmer: Preabsence’ (2016), ‘unREAL’ (2017), ‘Lynn Hershman Leeson: Anti-Bodies’, ‘Eco-Visionaries’ (2018) and ‘Entangled Realities. Living with Artificial Intelligence’ (2019). As a writer and lecturer she is dedicated to topics related to media art and digital culture.
___
Da marzo 2012 Sabine Himmelsbach è la nuova direttrice di HeK (House of Electronic Arts di Basilea). Dopo aver studiato storia dell’arte a Monaco di Baviera, dal 1993 al 1996 ha lavorato per le gallerie di Monaco e Vienna e in seguito è diventata project manager per mostre e conferenze per lo Steirischer Herbst Festival di Graz, Austria. Nel 1999 è diventata direttrice di mostre presso lo ZKM | Center for Art and Media di Karlsruhe. Dal 2005 al 2011 è stata direttore artistico della Edith-Russ-House for Media Art di Oldenburg, Germania. I suoi progetti espositivi includono ‘Fast Forward’ (2003); ‘Coolhunters’ (2004); Ecomedia (2007); MyWar (2010) e Culture of Copy (2011). Nel 2011 ha curato ‘Gateways. Arte e cultura in rete” per il Museo d’Arte Kumu di Tallinn nell’ambito del programma “Capitale Europea della Cultura Tallinn 2011”. Tra le sue mostre alla HeK di Basilea figura “Sensing Place” (2012), “Semiconductor: Let There be Light” (2013), “Ryoji Ikeda” (2014), “Poetica e politica dei dati”(2015), ‘Rafael Lozano-Hemmer: Preabsence” (2016), “unREAL” (2017), “Lynn Hershman Leeson: Anti-Bodies”, “Eco-Visionari” (2018) e “Entangled Realities. Living with Artificial Intelligence” (2019). Come scrittrice e docente si dedica a temi legati alla media art e alla cultura digitale.
___
Da marzo 2012 Sabine Himmelsbach è la nuova direttrice di HeK (House of Electronic Arts di Basilea). Dopo aver studiato storia dell’arte a Monaco di Baviera, dal 1993 al 1996 ha lavorato per le gallerie di Monaco e Vienna e in seguito è diventata project manager per mostre e conferenze per lo Steirischer Herbst Festival di Graz, Austria. Nel 1999 è diventata direttrice di mostre presso lo ZKM | Center for Art and Media di Karlsruhe. Dal 2005 al 2011 è stata direttore artistico della Edith-Russ-House for Media Art di Oldenburg, Germania. I suoi progetti espositivi includono ‘Fast Forward’ (2003); ‘Coolhunters’ (2004); Ecomedia (2007); MyWar (2010) e Culture of Copy (2011). Nel 2011 ha curato ‘Gateways. Arte e cultura in rete” per il Museo d’Arte Kumu di Tallinn nell’ambito del programma “Capitale Europea della Cultura Tallinn 2011”. Tra le sue mostre alla HeK di Basilea figura “Sensing Place” (2012), “Semiconductor: Let There be Light” (2013), “Ryoji Ikeda” (2014), “Poetica e politica dei dati”(2015), ‘Rafael Lozano-Hemmer: Preabsence” (2016), “unREAL” (2017), “Lynn Hershman Leeson: Anti-Bodies”, “Eco-Visionari” (2018) e “Entangled Realities. Living with Artificial Intelligence” (2019). Come scrittrice e docente si dedica a temi legati alla media art e alla cultura digitale.
___
Identity in the age of synthetic biology
Gli sviluppi innovativi delle scienze della vita hanno contribuito alla progressiva dissoluzione dei confini tra la vita naturale e quella artificiale. Oggi la vita stessa può essere modellata artificialmente. Ciò ha portato anche un cambiamento radicale nella comprensione del sé, poiché la vita è diventata progettabile. Gli sviluppi dell’ingegneria genetica contribuiscono ad una crescente tendenza ad attribuire al DNA caratteristiche individualiste dell’identità. Le riflessioni sull’identità sono state intrecciate con una dimensione biologica. Il DNA può essere visto come un’essenza biologica?
In che modo gli artisti affrontano le biotecnologie come nuova frontiera della scienza e della nostra società? In che modo gli artisti usano il DNA per la loro pratica artistica? In che modo la pratica artistica si relaziona a ciò che la scienza può verificare? Come conteniamo e archiviamo la cultura con le potenzialità dei metodi di archiviazione biologica?
___
The groundbreaking developments in the life sciences contributed to the fact that the boundaries between natural and artificial life are dissolving. Today life itself can be artificially shaped. This also brought about a radical change in the understanding of the self, as life has become designable. Genetic engineering developments contribute to an increasing tendency to attribute individualistic characteristics of identity to DNA. The reflections on identity have been added with a biological dimension. Can DNA be seen as a biological essence?
How are artists addressing biotechnologies as the new frontier of science and our society? How are artists using DNA for their artistic practice? How is artistic practice relating to what science can verify? How do we contain and archive culture with the potential of biological archiving methods?
________________________________________________________________________________________
Ellen Harzilius-Klück – artist, researcher and Principal Investigator of the ERC project PENELOPE
Ellen Harlizius-Klück (Munich, Germany), an artist and researcher interested in the algorithms, the logic and mathematics of textile production. Currently she is Principal Investigator of the ERC project PENELOPE: A Study of Weaving as Technical Mode of Existence (ERC-2015-CoG; No. 682711), situated at the Research Institute for the History of Technology and Science, Deutsches Museum, one of the world’s largest museums for technology. From 2014 to 2016 she was international Co-Investigator in the project Weaving Codes – Coding Weaves, funded by a Digital Transformations Amplification Award 2014 of the Arts & Humanities Research Council (UK). Before, she investigated textile technology as a Marie-Curie Senior Research Fellow of the Gerda Henkel Foundation (COFUND) at the Centre for Textile Research, University of Copenhagen in the project The Tacit Knowledge of Ancient Weaving.
___
Ellen Harlizius-Klück (Monaco, Germania), artista e ricercatrice interessata agli algoritmi, alla logica e alla matematica della produzione tessile. Attualmente è Principal Investigator del progetto ERC PENELOPE: A Study of Weaving as Technical Mode of Existence (ERC-2015-CoG; No. 682711), situato presso l’Istituto di Ricerca per la Storia della Tecnologia e della Scienza, Deutsches Museum, uno dei più grandi musei al mondo per la tecnologia. Dal 2014 al 2016 è stata Co-Investigatrice internazionale nel progetto Weaving Codes – Coding Weaves, finanziato da un Digital Transformations Amplification Award 2014 del Arts & Humanities Research Council (UK). In precedenza, ha studiato la tecnologia tessile come Marie-Curie Senior Research Fellow della Fondazione Gerda Henkel (COFUND) presso il Centro per la Ricerca Tessile dell’Università di Copenhagen nel progetto The Tacit Knowledge of Ancient Weaving.
___
Blackboxing Human Knowledge: The Case of Weaving
Nel nostro Progetto PENELOPE, sosteniamo che, in tempi arcaici (in Grecia e in alcune parti d’Italia), la logica e la tecnologia della tessitura su telai pesati a ordito fosse in grado di rappresentare un paradigma pre-scientifico di conoscenza ottenuta tramite l’ordine, che l’emergere del pensiero filosofico e matematico oscurava e in qualche modo relegava al regno della metafora. Nel corso della storia c’è stato un altro importante momento in cui vennero oscurate le conoscenze dei tessitori, quando venne sostenuto che il telaio Jacquard fosse il primo a rendere la tessitura digitale, portando al calcolo automatico. Cosa significa per il nostro concetto di conoscenza e di intelligenza quando tutte le decisioni prese dai lavoratori durante la produzione non sono più nelle mani del cervello degli esseri umani, ma degli automi e delle organizzazioni imprenditoriali internazionali?
___
In our Project PENELOPE, we argue that, in archaic times (in Greece and parts of Italy), the logic and technology of weaving on the warp-weighted loom was able to represent a pre-scientific paradigm of knowledge-through-order which the emergence of philosophical and mathematical thinking obscured and somewhat relegated to the realm of metaphor. In the course of history, there is another big step of obscuring the knowledge of weavers by claiming that the Jacquard loom was the first to make weaving digital, leading to automatic computation. What does it mean for our concept of knowledge and intelligence when all the decisions made by workers along production are no longer in the brains hands of humans but in those of automats and international business organizations?
________________________________________________________________________________________
Lorenzo Balbi - Artistic Director of MAMbo - Museo d'Arte Moderna di Bologna
Lorenzo Balbi - Artistic Director of MAMbo - Museo d'Arte Moderna di Bologna
Lorenzo Balbi (Turin, 1982. Lives and works in Bologna) has been the artistic director of MAMbo - Museo d'Arte Moderna di Bologna since 2017, when he took on the role of Head of the Modern and Contemporary Art Area of the Istituzione Bologna Musei, to which, in addition to MAMbo, Villa delle Rose, Museo Morandi, Casa Morandi, Museo per la Memoria di Ustica and Residenza per artisti Sandra Natali belong. After his studies in Conservation of Cultural Heritage at Ca' Foscari University in Venice, he earned a MA in Contemporary Art at the University of Turin. For four years he was artistic director of the Verso Artecontemporanea gallery in Turin. From 2006 to 2017 at the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in Turin, he taught Methodology of Curating at Campo, a course for curators, and was responsible for the organization and development of exhibition projects in the spaces of the institution in Turin and Guarene d'Alba, as well as the exhibitions of the Sandretto Re Rebaudengo Collection abroad. He followed as assistant curator the project Residenza per Giovani Curatori Stranieri from 2009 until becoming the responsible curator for three editions from 2015 to 2017. Since 2018 he has taken over the artistic direction of ART CITY Bologna, a series of exhibition events in the city promoted on the occasion of Arte Fiera. Professor of Art Systems at the DAMS of the University of Bologna, he is a member of the board of directors of AMACI - Association of Italian Contemporary Art Museums and of the coordination of the Forum of Italian Contemporary Art.
___
Lorenzo Balbi (Torino, 1982. Vive e lavora a Bologna) è direttore artistico del MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna dal 2017, data in cui ha assunto il ruolo di Responsabile dell’Area Arte Moderna e Contemporanea dell’Istituzione Bologna Musei, alla quale afferiscono, oltre al MAMbo, Villa delle Rose, Museo Morandi, Casa Morandi, Museo per la Memoria di Ustica e Residenza per artisti Sandra Natali.
Il non profit in Italia: una ricostruzione storica e prospettive per un rapporto con le istituzioni museali
___
Lorenzo Balbi (Torino, 1982. Vive e lavora a Bologna) è direttore artistico del MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna dal 2017, data in cui ha assunto il ruolo di Responsabile dell’Area Arte Moderna e Contemporanea dell’Istituzione Bologna Musei, alla quale afferiscono, oltre al MAMbo, Villa delle Rose, Museo Morandi, Casa Morandi, Museo per la Memoria di Ustica e Residenza per artisti Sandra Natali.
Dopo gli studi in Conservazione dei Beni Culturali all’Università Ca’ Foscari di Venezia, si specializza in Arte Contemporanea all’Università degli Studi di Torino. I suoi testi ed articoli sono stati pubblicati su diverse riviste tra cui: Il Giornale dell’Arte, Inside Art, Artribune, Mousse, La Stampa, Exibart, ATP Diary, Il Giornale dell’Architettura, Juliet. Per quattro anni è stato direttore artistico della galleria Verso Artecontemporanea di Torino, spazio dedicato alla ricerca sugli artisti emergenti del continente asiatico. Dal 2006 al 2017 alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, ha insegnato Metodologia della Curatela a Campo, corso per curatori, e si è occupato dell’organizzazione e dello sviluppo di progetti espositivi negli spazi dell’istituzione a Torino e a Guarene d’Alba, oltre alle rassegne espositive della Collezione Sandretto Re Rebaudengo all’estero. Ha seguito come assistente curatore il progetto Residenza per Giovani Curatori Stranieri nel 2009 (coordinatore Ilaria Bonacossa), nel 2011 e 2012 (coordinatore Stefano Collicelli Cagol), fino a diventarne il curatore responsabile per tre edizioni dal 2015 al 2017. Dal 2018 ha assunto la direzione artistica di ART CITY Bologna, rassegna di eventi espositivi in città promossa in occasione di Arte Fiera. Docente di Sistemi dell’Arte presso il DAMS dell’Università di Bologna è membro del consiglio direttivo di AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani e del coordinamento del Forum dell’Arte Contemporanea Italiana.
Tra le mostre curate: Riikka Kuoppala. La casa di biscotti (Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, 2013); Thomas Teurlai. Europium (Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, 2014); Stanze/Rooms (meCollectors Room, Berlino, 2014); Pierre Michelon. Parole e angurie (Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, 2015); Spin-Off (Centro de Arte Contemporaneo, Quito, 2015); Daniel Frota. Irrealis Mood (Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, 2016); Ghita Skali. Palm Attacks: a few invasive species (Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, 2017); It’s OK to change your mind. Arte contemporanea russa dalla Collezione Gazprombank (Villa delle Rose, Bologna, 2018, con Suad Garayeva-Maleki); Katarina Zdjelar. Ungrammatical (Padiglione de l’Esprit Nouveau, Bologna, 2018); Rosanna Chiessi. Pari&Dispari (MAMbo – Project Room, Bologna, 2018); That’s IT! Sull’ultima generazione di artisti in Italia e a un metro e ottanta dal confine (MAMbo, Bologna, 2018); Vadim Zakharov. Tunguska Event, History Marches on a Table (Ex-GAM, Bologna, 2018); Mika Rottenberg (MAMbo, Bologna, 2019); Goran Trbuljak. Before and After Retrospective (Villa delle Rose, Bologna, 2019, con Andrea Bellini); Julian Charrière. All we ever wanted was everything and everywhere (MAMbo, Bologna, 2019); Cesare Pietroiusti. Un certo numero di cose (MAMbo, Bologna, 2019); AGAINandAGAINandAGAINand. Ed Atkins, Luca Francesconi, Apostolos Georgiou, Ragnar Kjartansson, Susan Philipsz, Cally Spooner, Apichatpong Weerasethakul (MAMbo, Bologna, 2020), Romeo Castellucci. La Vita Nuova (DumBo, Bologna, 2020).
___Il non profit in Italia: una ricostruzione storica e prospettive per un rapporto con le istituzioni museali
Gli spazi indipendenti in Italia sono una realtà sempre più riconosciuta all’interno del sistema dell’arte. Per un’accurata ricerca sul panorama artistico italiano, è fondamentale considerare le loro programmazioni che si distinguono per la sperimentazione e la creazione di nuovi linguaggi.
Parallelamente, il Museo ha oggi la responsabilità di presentare il risultato di queste ricerche, inserendosi all’interno di politiche di acquisizione di opere inedite di artisti italiani di nuova generazione, con il fine di promuoverli e valorizzarli.
Se consideriamo tali spazi come autentici focolai di produzione intellettuale e sperimentazione, necessari al tessuto culturale di un territorio, come e su quale piano è possibile dialogare con essi? Come incoraggiare pratiche artistiche e curatoriali seminali? Come ripensare i margini di una collezione ipotizzando un nuovo e più stretto dialogo tra artisti storicizzati e artisti più recenti?
___
Independent spaces are an increasingly acknowledged reality within the Italian art system. To successfully research the Italian art scene, it is essential to consider their exhibition programs and how they stand out through experimentations and the creation of new languages.
Concurrently, Museums are now responsible for presenting the results of these researches, promoting acquisition policies that include new works from the latest generation of Italian artists, with the aim of promoting and uplifting them.
If we consider these spaces as authentic hotbeds of intellectual production and experimentation necessary to the cultural fabric of a territory, how and on what level is it possible to create a dialogue with them? How can we encourage seminal artistic and curatorial practices? How can we rethink the margins of a collection by suggesting a new and closer dialogue between historicized and more recent artists?
________________________________________________________________________________________
Davide Quadrio - Director Arthub Asia
Davide Quadrio is a China-based producer and curator. He founded and directed for a decade the first not-for-profit independent creative lab in Shanghai, BizArt Center, as a platform to foster the local contemporary art scene. In 2007 Quadrio created Arthub, a production and curatorial proxy active in Asia and worldwide.
With BizArt and its team, and now with Arthub, Quadrio has organized hundreds of exhibitions, educational activities and exchanges in China and abroad, developing relationships with local and foreign institutions worldwide. For the relevance of his work, his organizations were featured in the recent exhibition “China after 1989: Theater of the World” dedicated to the last thirty years of contemporary art in China at the Guggenheim Museum in New York and Porto. Among the most recent project, Visions in the making, Italian Cultural Center, New Delhi and Zhang Enli solo presentation at Galleria Borghese, Rome. As a producer the most recent commissions are World Record, Paola Pivi, Maxxi, Rome, Bass Museum LA; Tomas Saraceno, “Algor(h)i(y)thm”, Palais Tokyo, Paris and currently working for Gwangju Biennale, Korea on several performative projects. He lives between Milan and Shanghai.
___
Davide Quadrio è un curatore che vive e lavora prevalentemente in Cina. Ha fondato e diretto per un decennio il primo laboratorio creativo indipendente no profit a Shanghai, il BizArt Center, come piattaforma per promuovere la scena artistica contemporanea locale. Nel 2007 Quadrio ha creato Arthub, un proxy di produzione e curatoriale attivo in Asia e nel mondo.
Con BizArt e il suo team, e ora con Arthub, Quadrio ha organizzato centinaia di mostre, attività didattiche e scambi in Cina e all’estero, sviluppando relazioni con istituzioni locali e straniere in tutto il mondo. Per la rilevanza del suo lavoro, le sue organizzazioni sono state protagoniste della recente mostra “China after 1989: Theater of the World” dedicata agli ultimi trent’anni di arte contemporanea in Cina presso il Guggenheim Museum di New York e Porto. Tra i progetti più recenti, Visions in the making, Centro Culturale Italiano, New Delhi e Zhang Enli presentazione personale alla Galleria Borghese di Roma. Come promulgatore e produttore di opere d’arte le commissioni più recenti sono World Record, Paola Pivi, Maxxi, Roma, Bass Museum LA; Tomas Saraceno, “Algor(h)i(y)thm”, Palais Tokyo, Parigi e attualmente lavora per la Biennale di Gwangju, Corea, su diversi progetti performativi. Vive tra Milano e Shanghai.
___
Con BizArt e il suo team, e ora con Arthub, Quadrio ha organizzato centinaia di mostre, attività didattiche e scambi in Cina e all’estero, sviluppando relazioni con istituzioni locali e straniere in tutto il mondo. Per la rilevanza del suo lavoro, le sue organizzazioni sono state protagoniste della recente mostra “China after 1989: Theater of the World” dedicata agli ultimi trent’anni di arte contemporanea in Cina presso il Guggenheim Museum di New York e Porto. Tra i progetti più recenti, Visions in the making, Centro Culturale Italiano, New Delhi e Zhang Enli presentazione personale alla Galleria Borghese di Roma. Come promulgatore e produttore di opere d’arte le commissioni più recenti sono World Record, Paola Pivi, Maxxi, Roma, Bass Museum LA; Tomas Saraceno, “Algor(h)i(y)thm”, Palais Tokyo, Parigi e attualmente lavora per la Biennale di Gwangju, Corea, su diversi progetti performativi. Vive tra Milano e Shanghai.
___
Praxis and intuition. Considerations on the work by Emilio Vavarella.
Quando si pensa all’arte digitale e all’arte generata dal computer si dimentica facilmente la sua natura di “artigianato digitale” che permette all’opera d’arte finale di essere un’opera d’arte. Maria Lai, in un’intervista, ha detto che il suo sogno più profondo sarebbe stato quello di far scrivere questa frase sugli ingressi delle scuole e dei musei “Non importa se non capisci, segui il ritmo”. L’opera di Emilio Vavarella è una traduzione poetica delle due frasi di cui sopra, dove l’immaginazione funziona come memoria, il bisogno antropologico dell’uomo di creare bellezza e i due regni (digitale e analogico) si collegano, collassano, creano. Questa presentazione tornerà alla codifica 1-0 (genetica, matematica, biologica, digitale) creando un black out fuori scala. Questa scorciatoia è quasi una linea piatta dalla quale si presenterà la pittura preistorica nelle grotte raccolta e magicamente disposta davanti ai nostri occhi da Domingo Milella. Queste immagini cariche dell’impossibilità che il tempo-spazio creato porti a comprendere appieno il loro significato, saranno abbinate e ampliate con una serie di considerazioni intorno allo sviluppo dell’arte post-digitale che nasce da questa esigenza antropologica degli artisti (essendo essenzialmente umani) di creare, attraverso la ritualità e la gestualità (l’artigianato) un mondo di bellezza come strumento per organizzare e comprendere la vita stessa e ciò che sta nella vita che li circonda. L’intuizione prima della prassi è in realtà ciò che ha fatto dell’arte uno strumento progressivo per espandere le possibilità umane e ci ha spinto attraverso i millenni in un costante presente-futuro.
___
When thinking of digital art and computer-generated art we easily forget its “digital craftsmanship” nature, which allows the final work of art to be considered as such. Maria Lai said, in an interview, that her wildest dream would have been to write on the entrances of schools and museums “Non importa se non capisci, segui il ritmo” (never mind understanding, just follow the rhythm). Emilio Vavarella’s work is a poetic translation of the two sentences above, where imagination functions as memory, human beings’ anthropological need to craft beauty and the two realms (digital and analogical) connect, collapse, create. This presentation will go back to the 1-0 coding (genetic, mathematical, biological, digital) creating a black out of sort. This short-cut resembles a flatline through which we will witness prehistoric cave paintings as they were collected and magically presented before our eyes by Domingo Milella. These images, filled with the impossibility that the time-space created will bring us to fully comprehend their meaning, will be paired and expanded with a series of considerations around the development of post-digital art, stemming from the anthropological need of artists (as they are essentially human) to create, through rituality and gestures (craftsmanship) a world of beauty as a tool to organize and understand both what lies in the life around them and life itself. Intuition before praxis is what has actually turned art into a progressive tool for the expansion of human possibilities, as it pushed us through the millennia into a constant present-future.
________________________________________________________________________________________
Ursula Wolz, Lecturer Eugene Lang College of Liberal Arts, The New School (New York)
Ursula Wolz, Ph.D. studies Educational Informatics. She combines academics and entrepreneurship to develop computer-based learning environments ranging for hands-on off-computer workshops, to storytelling engines for instruction, to artificially intelligent tutors. She founded RiverSound Solutions with a mission to empower computer users to become creators with, rather than consumers of computing. In both formal and informal classrooms, she teaches inner-city and rural students at risk, affluent suburbanites, elite undergraduates, first to college, international students, and their teachers. Her passions are interactive storytelling, visual storytelling, and games for learning. Her recent work includes “code crafting” through which she explores how computer science concepts (from function parameters to pathfinding, to generative design) can be expressed through hand and machine textile production.
___
Ursula Wolz, Ph.D. studia Informatica Educativa e combina parallelamente approcci accademici e imprenditoriali per sviluppare ambienti di apprendimento basati sulle machine computazionali. Questi spaziano dai laboratori fuori dal computer, ai motori di narrazione per l’istruzione, ai tutor artificialmente intelligenti. Ha fondato RiverSound Solutions con la missione di dare agli utenti la possibilità di diventare co-creatori piuttosto che consumatori di computer e di linguaggi informatici. La sua ricerca più recente include il “code crafting” attraverso il quale esplora come alcuni concetti legati al campo dell’informatica (dai parametri di funzione, al path finding, al design generativo) possono essere espressi attraverso la produzione di tessuti a mano e a macchina.
___
Code Crafting as Generative Design
La creazione di codici è un’iniziativa che porta ad esplorare come l’artigianato tessile e l’arte abbiano influenzato lo sviluppo della codifica informatica, dell’ingegneria del software e del pensiero computazionale. Mentre la comunità informatica si muove per aprirsi ad una partecipazione più diversificata, la metodologia di scrittura dei codici ha l’audacia di lasciarci immaginare che gli artigiani, che almeno in passato erano in gran parte donne, abbiano una ricca e millenaria cultura nella scrittura di codici. Chi progettava le trame dei patchwork ha creato algoritmi per la generazione e l’analisi di modelli su un piano cartesiano che precedono di molto l’invenzione della grafica digitale.
___
Code crafting is an initiative to explore how textile crafting and art influenced the development of computer coding, software engineering, and computational thinking. As the computer science community moves to create more diverse participation, the code crafting methodology audaciously proposes that crafters, who are primarily women, have a rich culture of coding that goes back millennia. Patchwork designers created algorithms for pattern generation and analysis in a Cartesian plane long before digital graphics were invented.
________________________________________________________________________________________
Stephen Monteiro – media scholar and theorist based in the Department of Communication Studies at Concordia University, Montreal
Stephen Monteiro, a media scholar and theorist based in the Department of Communication Studies at Concordia University, Montreal. His work focuses on the cultural roots and consequences of media design and networked interactivity. He is the author of two books: The Fabric of Interface, published by The MIT Press in 2017, and Screen Presence, published by Edinburgh University Press in 2016. He is also the editor of The Screen Media Reader, published by Bloomsbury in 2017. His essays and articles on contemporary media have appeared in numerous international journals.
___
Stephen Monteiro è studioso dei media e teorico presso il Dipartimento di Studi sulla Comunicazione dell’Università Concordia di Montreal. Il suo lavoro si concentra sulle radici culturali e le conseguenze del design dei media e dell’interattività in rete. È autore di due libri: The Fabric of Interface, pubblicato da The MIT Press nel 2017, e Screen Presence, pubblicato da Edinburgh University Press nel 2016. È anche l’editore di The Screen Media Reader, pubblicato da Bloomsbury nel 2017. I suoi saggi e articoli sui media contemporanei sono apparsi su numerose riviste internazionali.
___
Piecing People: Personal Data and the Craft of Digital Labor
L’interattività digitale contemporanea si basa su tecniche e strategie tratte dalla cultura artigianale, portandoci ad unire, con una certa agilità, frammenti di dati che contribuiscono alla costruzione di insiemi più ampi. Essenziale per l’economia dei media partecipativi in rete, questa manodopera viene estratta dalle false spoglie del tempo libero e del divertimento. Sempre più spesso, però, il valore derivato da queste attività si trova non solo nei dati di produzione e di consumo, ma anche nella regolare raccolta e analisi dei dati biometrici e medici che da essi derivano. Che questo avvenga attraverso le applicazioni per la quantificazione dell’esercizio fisico, il monitoraggio fisiologico, o l’apporto nutrizionale, o tramite alcune caratteristiche tecniche dei prodotti, come la registrazione delle impronte digitali o il riconoscimento facciale per sbloccare i device, o la mappatura genetica per le banche dati genealogiche, il nostro corpo sta diventando sempre più spesso il materiale di base attraverso il quale plasmiamo la nostra esistenza digitale e la nostra rilevanza. Qual è la potenziale relazione tra questa raccolta di dati e i modelli di interfaccia basati sull’artigianato? In che modo la sempre più invasiva raccolta di dati biometrici e medici ha sfruttato la natura informale, interpersonale e collaborativa della creazione collettiva online? Rispondendo a queste domande, questa presentazione sostiene che, proprio come l’artigianato ha spesso connotati di generosità e condivisione, le pratiche digitali artigianali possono incoraggiare i partecipanti a dare più di se stessi — sia in termini di manodopera che di dati fisici e medici — come prova del loro impegno sociale in rete e della loro vitalità.
___
Contemporary digital interactivity relies on techniques and strategies drawn from craft culture as we readily piece together scraps of data to contribute to larger assemblages. Essential to the economy of networked participatory media, this labor is extracted under the guise of leisure and entertainment. More and more, however, the value derived from these activities is found not only in the data of production and consumption, but also in the regular collection and analysis of our corollary biometric and medical data. Whether through apps for exercise quantification, physiological monitoring, or nutritional intake, or product features such as fingerprint and facial recognition locks, or genetic mapping for genealogical databases, our bodies increasingly are becoming the base material through which we shape our digital existence and relevance. What is the potential relationship between this data collection and craft-based models of interface? How has increasingly invasive biometric and medical data harvesting exploited the informal, interpersonal, and collaborative nature of collective on-line creation? In responding to these questions, this presentation argues that just as crafts have often connoted generosity and sharing, craft-like digital practices can encourage participants to give more of themselves—both in terms of their labor and their physical and medical data—as evidence of their networked social commitment and viability.
________________________________________________________________________________________
George Church, Harvard Medical School and Wyss Institute, Harvard University
George M. Church, PhD ’84, è professore di genetica alla Harvard Medical School, membro fondatore del Wyss Institute e direttore di PersonalGenomes.org, l’unica piattaforma ad accesso aperto al mondo sui dati genomici, ambientali e sui tratti umani. Church è noto per essere stato pioniere nel campo della genomica personale e della biologia sintetica. Da allora ha sviluppato i primi metodi per la prima sequenza del genoma e ha ridotto drasticamente i costi (da 3 a 600 miliardi di dollari), contribuendo a quasi tutti i metodi e le aziende di “sequenziamento di prossima generazione”. Il suo team ha inventato CRISPR per l’editing del genoma delle cellule staminali umane e altre tecnologie e applicazioni di biologia sintetica – tra cui nuovi modi per creare organi per i trapianti, terapie geniche per l’inversione di invecchiamento, e le unità di gene per eliminare la malattia di Lyme e la malaria. Church è direttore di IARPA & NIH BRAIN Projects e degli Istituti Nazionali di Salute Centro di Eccellenza nella Scienza Genomica. È co-autore di più di 515 articoli e 130 pubblicazioni di brevetti, e di un libro, “Regenesis”. Tra i maggiori riconoscimenti che gli sono stati attribuiti ci sono il Franklin Bower Laureate for Achievement in Science, il Time 100, e l’elezione alle National Academies of Sciences and Engineering.
___
George M. Church, PhD ’84, is professor of genetics at Harvard Medical School, a founding member of the Wyss Institute, and director of PersonalGenomes.org, the world’s only open-access information on human genomic, environmental, and trait data. Church is known for pioneering the fields of personal genomics and synthetic biology. He developed the first methods for the first genome sequence & dramatic cost reductions since then (down from $3 billion to $600), contributing to nearly all “next generation sequencing” methods and companies. His team invented CRISPR for human stem cell genome editing and other synthetic biology technologies and applications – including new ways to create organs for transplantation, gene therapies for aging reversal, and gene drives to eliminate Lyme Disease and Malaria. Church is director of IARPA & NIH BRAIN Projects and National Institutes of Health Center for Excellence in Genomic Science. He has co-authored more than 515 papers and 130 patent publications, and one book, “Regenesis”. His honors include Franklin Bower Laureate for Achievement in Science, the Time 100, and election to the National Academies of Sciences and Engineering.
___
Engineering recapitulates evolution
“L’ingegneria riassume l’evoluzione.” Attraverso l’ingegno umano, e utilizzando le conoscenze di fisica e chimica acquisite nel corso di sei rivoluzioni industriali, abbiamo sviluppato la capacità di manipolare e ingegnerizzare la materia, e così facendo abbiamo riscoperto e sfruttato i risultati di sei rivoluzioni simili avvenute durante miliardi di anni di evoluzione biologica. Utilizzando la nanobiotecnologia, ci troviamo alla porta della manipolazione dei genomi in un modo che riflette il progresso della storia evolutiva: partendo dagli organismi più semplici e finendo, in modo più portentoso, con l’essere in grado di alterare il nostro stesso corredo genetico. La genomica sintetica ha il potenziale di riassumere il corso dell’evoluzione genomica naturale, con la differenza che il corso della genomica sintetica sarà sotto la nostra consapevole deliberazione e controllo invece di essere diretto dai processi ciechi e opportunistici della selezione naturale. Stiamo già ricostruendo noi stessi e il nostro mondo, ripercorrendo i passi della sintesi originale – ridisegnando, ricodificando e reinventando la natura stessa nel processo.
Estratto da “Regenesis: How Synthetic Biology Will Reinvent Nature and Ourselves” di George Church & Ed Regis (Basic Books, New York, 2012). Editato da Emilio Vavarella.
___
“Engineering recapitulates evolution.” Through human ingenuity, and by using the knowledge of physics and chemistry gained over the course of six industrial revolutions, we have developed the ability to manipulate and engineer matter, and by doing so we have rediscovered and harnessed the results of six similar revolutions that occurred during billions of years of biological evolution. Using nanobiotechnology, we stand at the door of manipulating genomes in a way that reflects the progress of evolutionary history: starting with the simplest organisms and ending, most portentously, by being able to alter our own genetic makeup. Synthetic genomics has the potential to recapitulate the course of natural genomic evolution, with the difference that the course of synthetic genomics will be under our own conscious deliberation and control instead of being directed by the blind and opportunistic processes of natural selection. We are already remaking ourselves and our world, retracing the steps of the original synthesis—redesigning, recoding, and reinventing nature itself in the process.
Passage from ‘Regenesis: How Synthetic Biology Will Reinvent Nature and Ourselves’ by George Church & Ed Regis (Basic Books, New York, 2012). Editing by Emilio Vavarella.
________________________________________________________________________________________
Devin Wangert - writer and researcher
Devin Wangert è dottorando presso l'Università di Harvard. L'attuale lavoro di Wangert si concentra sulla teoria del lavoro attraverso gli spazi condivisi con l'economia politica, la filosofia della tecnologia e gli studi sui media. Il suo prossimo progetto sull'automazione e le sue relazioni con il lavoro umano s’intitola Suspended Declension. È autore di Dead Time: Intolerable Images and the Politics of Banality (Montreal: Centre for Expanded Poetics, 2018).
___
Devin Wangert is a PhD candidate at Harvard University. Wangert’s current work develops a theory of labour through the shared periphery of political economy, philosophy of technology, and media studies. His forthcoming project on automation and its relation to human labour is titled Suspended Declension. He is author of Dead Time: Intolerable Images and the Politics of Banality (Montreal: Centre for Expanded Poetics, 2018).
___
After Automation
Nel teorizzare il rapporto tra automi e organismi viventi, Georges Canguilhem osserva che la “spiegazione meccanica delle funzioni della vita presuppone storicamente…la costruzione di automazioni”: sarebbe “tautologico” spiegare gli organismi viventi attraverso meccanismi che dipendono ancora dalla forza motrice umana. Canguilhem comprese che l’anacronismo e l’errato riconoscimento sono endemici del rapporto uomo-macchina che abbiamo, dal 1947 in poi, chiamato “automazione”. Se in superficie egli fa una semplice argomentazione storica sul fatto che il movimento della macchina è svincolato dalla forza motrice umana, c’è qualcosa di strano nel gesto che ne deriva: poiché i due sono svincolati, gli esseri umani possono ora essere compresi in termini di automi. Da questo punto in poi, quella relazione è caratterizzata due volte dall’anacronismo — c’è ora un abissale dilemma di priorità tra l’umano e la macchina, incentrato su quale sia tra i due a spiegare l’altro – e da un mancato riconoscimento — l’uno viene ora letto secondo le proprietà dell’altro, di cui l’altro si appropria. Allo stesso modo, quando l’automazione diventa una capacità tecnica nell’impianto Ford si verifica un altro cortocircuito, sovrapponendo anacronisticamente le macchine all’uomo — non fino a quando l’una sostituisce l’altra, ma fino a quando l’automazione adotta i contorni del carattere del lavoro umano. Ora, parlando di macchine che lavorano, ci dimentichiamo degli esseri viventi sottostanti.
___
In theorizing the relationship between automata and living organisms, Georges Canguilhem notes that the “mechanical explanation of the functions of life historically presupposes…the construction of automations”: it would be “tautological” to explain living organisms by way of mechanisms themselves still dependent on human motive force. Canguilhem understood that anachronism and misrecognition are endemic to the human-machine relation which we have, from 1947 onwards, called “automation.” If on the surface he makes a straightforward historical argument about machine motion being untethered from human motive force, there is something strange about the gesture that ensues: because the two are untethered, humans can now be understood in terms of automata. From this point on, that relation is characterized twice over by anachronism—there is now an abyssal question of priority between the human and the machine, indexed by which is said to explain the other—and misrecognition—one is now read according to the properties of the other, which the other appropriates. Likewise, when automation becomes a technical capacity in the Ford plant, another short-circuit occurs, anachronistically superimposing machines over humans—not until one replaces the other but until automation adopts the contours of human labour’s character. Now speaking about machines doing work, we forget the living things underneath.
________________________________________________________________________________________
Eugene Thacker – philosopher, poet and author
È professore di Media Studies alla New School di New York. I sui testi si occupano di filosofia del nichilismo e del pessimismo. I libri più recenti di Thacker sono la serie Horror of Philosophy (compreso il libro In the Dust of This Planet) e Infinite Resignation. Ha conseguito la laurea triennale all’Università di Washington e un dottorato di ricerca in Letteratura comparata alla Rutgers University.
___
Eugene Thacker is Professor of Media Studies at The New School in New York City. His writing is often associated with the philosophy of nihilism and pessimism. Thacker’s most recent books are the Horror of Philosophy series (including the book In the Dust of This Planet) and Infinite Resignation. He received his Bachelor’s degree from the University of Washington, and a PhD in Comparative Literature from Rutgers University.
___
Qual è la differenza tra il vivente e il non vivente, il biologico e il tecnologico?
I biomedia ci chiedono di ripensare le nostre opinioni comuni sulla biologia, la tecnologia e il linguaggio, e di farlo attraverso una critica del riduzionismo, della strumentalità e della metafora. Siamo incoraggiati a pensare alla biologia e alla tecnologia come inseparabili, e a pensare oltre il paradigma dell’artificio-natura che è stato a lungo al centro della scienza occidentale e della filosofia della biologia. Il mondo presentato dai biomedia è un mondo in cui la secolare questione della “vita stessa” viene posta in modo nuovo, presentata attraverso un insieme di artefatti, tecniche e contesti sociali che sono unici in un particolare momento storico. […] La vita può essere ridotta a un insieme di principi meccanici, matematici o materiali? Qual è la differenza tra il vivente e il non vivente, il biologico e il tecnologico?
___
Biomedia ask us to rethink our commonly held views regarding biology, technology, and language, and to do so through critiques of reductionism, instrumentality, and metaphor. We are encouraged to think of biology and technology as inseparable, and to think beyond the nature-artifice paradigm that has long been at the core of Western science and the philosophy of biology. The world presented by biomedia is one in which the age-old question of “life itself” is posed in a new way, presented through a set of artifacts, techniques, and social contexts that are unique to a particular historical moment. […] Can life be reduced to a set of mechanical, mathematical, or material principles? What is the difference between the living and the nonliving, the biological and the technological?
________________________________________________________________________________________
Emilio Vavarella - Artist and researcher (Harvard University)
Thinking the Thought. Process Notes
Tutte le mie opere nascono da un simile percorso di ricerca concettuale e tecnologica su molteplici livelli, seguito da una formalizzazione in cui gli spunti e le riflessioni che costellano la mia ricerca trovano una loro sintesi. Nel corso degli anni ho dato vita ad un archivio molto esteso di work-in-progress: collezioni di documenti, immagini, testi, appunti o altri materiali su cui torno ciclicamente. Potrei dire che queste collezioni sono il modo attraverso cui nutro, a volte anche per anni, idee ancora ad uno stato embrionale o in lenta evoluzione. Con il progredire delle mie ricerche comincio a implementare ipotesi, tecniche, e a sperimentare diversi metodi di lavoro, alla ricerca di quelli più affini ai materiali ricercati e alle domande in questione. Durante questa fase di messa in opera i materiali o le tecnologie su cui lavoro vengono stressati fino a raggiungere il loro limite interno. Mi interessa spingere tecniche, media e concetti fino al loro punto di rottura, stressare i loro limiti interni, sfiorando quella soglia o punto di non ritorno che marca un limite fisico, tecnico, o epistemologico.
___
All my works develop from a similar, multilayered path of conceptual and technological research, followed by a formalization that synthesizes the cues and reflections that punctuate my research. Over the years I have created a very extensive work-in-progress archive: collections of documents, images, texts, notes or other materials to which I cyclically return. I could say that these collections are the means by which I nourish, sometimes for years, ideas that are still in an embryonic or slowly evolving state. As my research progresses, I begin to implement hypotheses, techniques, and I experiment with different methodologies, looking for the ones that better resonate with the researched materials and with the issues I have been questioning. The materials or technologies on which I work during this implementation phase, are stressed until they reach their inner boundary. I am interested in pushing techniques, media and concepts to their breaking point, stressing their internal limits, touching that threshold or point of no return that marks a physical, technical, or epistemological limit.
________________________________________________________________________________________
Paolo Mele – Director of Ramdom
This Project was almost Stillborn
Senza la Tessitura Giaquinto rs548049170_1_69869_TT (The Other Shapes of Me) oggi sarebbe un progetto ancora nel cassetto di Vavarella e un possibile rimpianto per Ramdom. E invece questo lavoro è il premio alla lucida e audace follia di un artista che sa guardare al mondo tecnologico e analogico da prospettive sempre nuove e mai scontate, la rivincita del piccolo mondo che sa farsi unico e grande. È la dimostrazione di come i piccoli centri racchiudano storie di inestimabile valore culturale e umano, che la città non sa e spesso non può preservare, e di come il cosiddetto panorama delle organizzazioni culturali indipendenti, o meglio ‘interdipendenti’, a cui Ramdom orgogliosamente appartiene, possa apportare metodologie e contenuti di lavoro originali e innovativi nel mondo dell’arte contemporanea.
___
s548049170_1_69869_TT (The Other Shapes of Me), without the Tessitura Giaquinto, today would still be a project kept in Vavarella's drawer and a possible regret for Ramdom. This work is, instead, the prize for the lucid and daring madness of an artist who knows how to look at the technological and analogical world from new perspectives, which he never takes for granted. A payback to a small world that can turn itself into something unique and great. It is proof of the priceless cultural and humane value of small-town stories, unknown to the city who is often incapable of treasuring them, and of how the so-called panorama of independent, or rather 'interdependent' cultural organizations, to which Ramdom proudly belongs, can bring to the world of contemporary art original and innovative methodologies and contents.
________________________________________________________________________________________
Claudio Zecchi – Curator of Ramdom
As If That World Was the Universe
[…] E così il tessuto finale non è più solo il risultato di un processo tecnologico che viene da lontano, ma di un insieme di piccoli gesti carichi di emotività, di piccole incertezze, di cui Marinella, in un lento atto performativo, si fa portatrice.
La macchina, “potenza ostile”, e l’uomo — o meglio, la donna — si mettono in una condizione di scambio dialettico; dialogano producendo quei piccoli slittamenti necessari a mantenere una tensione emotiva perché dalla macchina, come avrebbe detto Carmelo Bene, non si sfugge mai e così quello che era inizialmente un processo determinato da scelte binarie torna ad essere un processo analogico e viceversa. Meglio ancora, un processo reversibile: il DNA è stato infatti codificato in modo tale che sia tecnicamente possibile decriptare il tessuto, che contiene l’intero codice genetico dell’artista, e ritornare un giorno al DNA stesso.
___
[...] Thus the finished textile is no longer the result of a merely technological process that comes from afar, but comes from a set of small emotional gestures, of small uncertainties, and Marinella, through a slow performative act, becomes their bearer.
The machine, “hostile power”, and the man—or better yet, the woman—put themselves in a condition of dialectical exchange; they dialogue producing the little slips that are necessary to maintain emotional tension since one can never escape from the machine, as Carmelo Bene would have put it. What initially was a process determined by binary choices became an analogical process, and vice versa. Better yet, a reversible process: the DNA has in fact been coded in such a way that it is technically possible to decrypt the fabric, which contains the entire genetic code of the artist, to one day return to the DNA itself.
________________________________________________________________________________________
Public Program
The Other Shapes of Art
Genotipization, Weaving and Data visualization.
Harvard (Cambridge, USA)
(Temporarily suspended due to COVID-19)
Genotipization, Weaving and Data visualization.
Harvard (Cambridge, USA)
(Temporarily suspended due to COVID-19)
The Other Shapes of Art è una tavola rotonda che si terrà all’Università di Harvard il 24 e 25 aprile 2020, ospitata dal Film Study Center and Critical Media Practice (CMP) – Harvard University, prodotta da Ramdom ed è un momento fondamentale della nuova ambiziosa opera d’arte dell’artista Emilio Vavarella intitolata rs548049170_1_69869_TT (The Other Shapes of Me).
Questo progetto è uno dei vincitori della VI edizione dell’Italian Council (2019), programma di promozione dell’arte contemporanea italiana nel mondo a cura della Direzione Generale per la Creatività Contemporanea del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e il Turismo. L’opera d’arte entrerà a far parte della collezione permanente del MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna (Italia).
L’opera d’arte che rappresenta il genoma dell’artista sarà il risultato di un processo performativo e si compone di tre elementi: un grande tessuto, un telaio Jacquard e un video del processo di produzione del tessuto. Il tessuto, che rappresenta punto per punto il codice genetico dell’artista, è realizzato con un telaio Jacquard del XIX secolo (la prima tecnologia binaria industriale). Il tessuto finale traduce visivamente il codice genetico che “dà forma” all’artista.
Il lavoro inizia con un approccio molto intimo in un contesto molto specifico, come il Sud Italia e l’area del Mediterraneo, per sollevare questioni più generali, come la digitalizzazione del DNA e della vita, il rapporto tra macchine e lavoro, il computer come oggetto di ingegneria e il computer come strumento per l’artigianato, l’automazione, la tessitura come tecnica di calcolo, la condizione femminile nel Sud Italia e in relazione alle tecnologie computazionali.
Questi temi saranno esplorati in modo collegiale e da diversi punti di vista durante la tavola rotonda di Harvard, che riunirà artisti, curatori, ricercatori e pensatori di diversi contesti e paesi.
Questo sarà un momento fondamentale per lo sviluppo del progetto.
___
The Other Shapes of Art is a roundtable to be held at Harvard University on the 24th-25th April 2020, hosted by the Film Study Center and Critical Media Practice (CMP) – Harvard University, produced by Ramdom* and it is a fundamental moment of a new ambitious work of art by artist Emilio Vavarella entitled rs548049170_1_69869_TT (The Other Shapes of Me).
This project is one of the winners of the VI edition of Italian Council (2019), program to promote Italian contemporary art in the world by the Directorate-General for Contemporary Creativity of the Italian Ministry of Cultural Heritage and Activities and Tourism. The work of art will become part of the permanent collection of MAMbo – Museum of Modern Art in Bologna (Italy).
The work of art that represents the genome of the artist will be the result of a performative process and consists of three elements: a large fabric, a Jacquard loom and a video of the production process of the fabric. The fabric, which represents the artist’s own genetic code point by point, is made with a 19th century Jacquard loom (the first industrial binary technology). The final fabric translates visually the genetic code that “gives shape” to the artist.
The work begins with a very intimate approach in a very specific context, such as Southern Italy and the Mediterranean area, in order to raise more general issues, such as the digitalization of DNA and life, the relationship between machines and labor, the computer as an engineering object and the computer as a tool for craftsmanship, automation, weaving as a computing technique, the female condition in Southern Italy and in relation to computational technologies.
These themes will be explored in a collegial manner and from different vantage points during the roundtable at Harvard, bringing together artists, curators, researchers and thinkers from different contexts and countries.
This will be a fundamental moment in the project’s development.
Tra gli ospiti e i relatori ci saranno anche / Guests and speakers will include:
Julie Mallozzi, Direttore Amministrativo del Centro Studi Cinematografici di Harvard (USA) /
INFO
____________________________________________________________________________________________
Workshop
Laboratorio d’arte tessile per tre teste e quattro mani
Pensato per bambine e bambini dai 6 anni in su in coppia con… mamma/papà/zia/zio/nonna/nonno/tata/tato: l’importante è essere in due!
Traendo spunto da The Other Shapes Of Me, opera nella quale l’artista Emilio Vavarella parte dalla traduzione grafica del proprio codice genetico e, grazie all’aiuto di sua madre, la trasferisce in un tessuto utilizzando un telaio Jaquard, sarà realizzato un piccolo arazzo che conterrà, in una forma “diversa”, il ritratto dei giovani partecipanti.
Per stimolare la concentrazione, esercitare la coordinazione tra occhio e mano e sperimentare contemporaneamente regole e fantasia, con un semplice telaio a cornice, un metro da sarta e tanti fili colorati.
___
Textile art workshop for three heads and four hands
Designed for kids from 6 years old with… mum/daughter/uncle/uncle/grandmother/
grandfather/grandfather/nandfather/status: the important thing is to be in two!
grandfather/grandfather/nandfather/status: the important thing is to be in two!
Drawing inspiration from The Other Shapes Of Me, a work in which the artist Emilio Vavarella starts from the graphic translation of his own genetic code and, thanks to the help of his mother, transfers it into a fabric using a Jaquard loom, a small tapestry will be made that will contain, in a “different” form, the portrait of the young participants.
To stimulate concentration, exercise coordination between eye and hand and experiment with rules and fantasy, with a simple frame loom, a dressmaker’s yardstick and many coloured threads.
____________________________________________________________________________
Publication
A cura di / Edited by Emilio Vavarella, Paolo Mele and Claudio Zecchi
Un progetto prodotto e curato da / A project produced and curated by Ramdom
Progetto grafico di / Graphic design by Anna Azzali, MOUSSE Publishing
Editing immagini / Photo-editing MOUSSE Publishing
Testi di / Texts by: Lorenzo Balbi, George M. Church, Francesco Giaquinto, Ellen Harlizius-Klück, Sabine Himmelsbach, Paolo Mele, Stephen Monteiro, Carla Petrocelli, Davide Quadrio, Ed Regis, Eugene Thacker, Emilio Vavarella, Devin Wangert, Ursula Wolz, Claudio Zecchi.
“L’opera rs548049170_1_69869_TT, traduzione del codice genetico dell’artista Emilio Vavarella in un grande tessuto, è stata realizzata dalla madre su una delle prime macchine moderne di calcolo: il telaio Jacquard. Dalla tessitura e programmazione, attraverso il funzionamento interno di algoritmi, software e macchine automatiche, fino alle questioni di genere e di lavoro e alla completa informatizzazione degli esseri umani, il progetto ricapitola simbolicamente la traiettoria storica della tecnologia binaria. Questo libro evidenzia ed estende la portata di questa impresa artistica attraverso una serie di documenti visivi e indagini teoriche di quindici pensatori e professionisti del campo dell’arte, della filosofia, della bioingegneria, della teoria dei media e della storia della scienza e della tecnologia.”
___
“The work rs548049170_1_69869_TT, a translation of artist Emilio Vavarella’s genetic code into a large textile, was produced by his mother on one of the first modern computational machines: the jacquard loom. From weaving and programming, through the inner workings of algorithms, software, and automated machines, up to issues of gender and labor and the complete computerization of human beings, the project recapitulates symbolically the historical trajectory of binary technology. This book highlights and extends the scope of this artistic undertaking through a series of visual documents and theoretical inquires by fifteen thinkers and practitioners from the fields of art, philosophy, bioengineering, media theory, and the history of science and technology.”
____________________________________________________________________________
Public Program
The Other Shapes of Art
rs548049170_1_69869_TT Genesis of an Idea
Italian Institute of Cultura (New York, USA)
rs548049170_1_69869_TT Genesis of an Idea
Italian Institute of Cultura (New York, USA)
rs548049170_1_69869_TT (The Other Shapes of Me), progetto di Emilio Vavarella e vincitore della 6. Edizione di Italian Council (programma di promozione di arte contemporanea italiana nel mondo della Direzione Generale Contemporanea del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo), arriva all’Istituto Italiano di Cultura di New York con l’evento rs548049170_1_69869_TT: Genesis di un’idea, curato da Ramdom.
Il titolo – rs548049170_1_69869_TT (The Other Shapes of Me) – attorno al quale ruota l’intero progetto, fa riferimento alla prima riga di testo risultante dalla genotipizzazione del DNA di Vavarella. Il lavoro consiste in una traduzione, effettuata dalla madre dell’artista attraverso processi analogici e digitali, del codice genetico in tessuto, usando una delle prime macchine computazionali moderne: il telaio Jacquard. Il risultato finale è un’opera monumentale composta da un tessuto, un telaio e un film oggi parte della collezione permanente del MAMbo — Museo d’Arte Moderna di Bologna.
Nell’occasione dell’evento newyorkese la visione del film Genesis e la presentazione della pubblicazione rs548049170_1_69869_TT (edita da MOUSSE) faranno da cornice all’approfondimento di alcuni aspetti teorici del progetto.
Il programma si terrà in diretta streaming sulla pagina Facebook di Ramdom e si svolgerà alla presenza di Fabio Finotti (Direttore dell’Istituto Italiano di Cultura di New York), Emilio Vavarella (Artista e ricercatore, Harvard University), Claudio Zecchi (Curatore di Ramdom), Stephen Monteiro (Media Scholar and Theorist, Department of Communication Studies at Concordia University, Montreal) e Ursula Wolz (Lecturer, Eugene Lang College of Liberal Arts, The New School, New York).
___
The project rs548049170_1_69869_TT (The Other Shapes of Me) by artist Emilio Vavarella, winner of the 6th Edition of Italian Council (program to promote Italian contemporary art in the world by the Directorate-General for Contemporary Creativity of the Italian Ministry of Cultural Heritage and Activities and Tourism), arrives at the Italian Cultural Institute in New York, with an event titled rs548049170_1_69869_TT: Genesis of an Idea, curated by Ramdom.
The title of the project – rs548049170_1_69869_TT (The Other Shapes of Me) – refers to the first line of text resulting from the genotyping of Vavarella’s DNA. The work is based on the translation of his genetic code in a large fabric, through the labour of his mother, using one of the first modern computational machines: the Jacquard loom. The result is a monumental work composed of a fabric, a loom and a video, that is part of the permanent collection of MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna.
The New York event will focus in particular on the film Genesis and the artist book ‘rs548049170_1_69869_TT’ (published by MOUSSE), along with a discussion of the theoretical issues raised by Vavarella’s project.
The program will be in streeming on Ramdom’s Facebook page and will take place in the presence of Fabio Finotti (Director of Italian Cultural Institute, New York), Emilio Vavarella (Artist and Researcher, Harvard University), Claudio Zecchi (Curator of Ramdom), Stephen Monteiro (Media Scholar and Theorist, Department of Communication Studies at Concordia University, Montreal) and Ursula Wolz (Lecturer, Eugene Lang College of Liberal Arts, The New School, New York).
INFO
